El discurso del rey (The kings speech)

Sinopsis: La película se centra en la historia del rey Jorge VI del Reino Unido, quien se vio obligado a reinar tras la abdicación de su hermano Eduardo VIII. Su tartamudez le hace buscar la ayuda de un terapeuta de trastornos del habla, Lionel Logue, quien con una serie de técnicas poco ortodoxas logra que el rey corrija su tartamudeo.

Titulo Original: The King's Speech
Género: Drama, Histórico
País: Australia, Reino Unido
Duración: 118 min.
Director: Tom Hooper
Productores: The Weinstein Company, UK Film Council
Guionistas: David Seidler
Actores: Helena Bonham Carter, Geoffrey Rush, Colin Firth, Guy Pierce








Se me lengua la traba!

Siempre tienen su encanto las películas históricas. Uno tiene la sensación que está aprendiendo algo, o que tiene la máquina del tiempo, que lo transportará a determinados lugares y sucesos que, o conoce y quieren visualizar según una óptica determinada para ver si su imaginación al leer sobre dicho suceso se daba igual que en la presentación en la pantalla, o, tal vez, aprende mirando alguna ficción o relato anterior basado en un hecho real. Tal vez eso lleve a que algunos se interioricen y lean más sobre determinado hecho del pasado (lo cual sería muy bueno) o tal vez se levanten de la butaca con la sensación de haber aprendido un poquito más y salir con el pecho hinchado de pensar que ahora sabe agregaron conocimiento a su sesera, como que existieron tigres de bengala en el foro romano tal como nos mostraban en “Gladiador” (Esta bien! Dije que la ficción nos daba la sensación de creernos que sabemos mas, no dije que ese conocimiento sea verídico!). Puede ser la mayor de las ficciones, pero uno siente al ver algo de época, que se interiorizó con determinada etapa histórica que desconocía. Raro que con las películas de ficción futuristas no se corra con la misma sed de conocimiento “a futuro”. Eso se lo dejamos a los que escriben horóscopos.
Algo así veremos en “The King’s Speech”, dirigida con una maestría esplendorosa y con un glamour colosal en la exposición de escenarios ingleses y en el manejo de los tics de los actores,  en la cual se encuentran notables los tres protagónicos: Colin Firth (Seguramente ganador del Oscar por este papel) interpretando al rey George VI, quien sufre un severo trastorno desde su niñez de tartamudez, Helena Bonnham Carter, su esposa amorosa que lo sostiene con paciencia y cariño en todo momento, y un maravilloso Geoffrey Rush, como el profesor de dicción del rey, que utiliza métodos para nada ortodoxos, pero cuenta con un carisma escénico a toda prueba. Haciendo mención a mi primer párrafo sobre las películas que cuentan sucesos del pasado; tal vez veamos el tráiler antes de ir al cine, y sentiremos inmediatamente una atracción voraz hacia una historia que esta mejor vendida en ese formato de muestreo de 3 minutos, antes que la película en sí misma. Y ojo que no estoy diciendo que no sea una historia digna de ser vista; sino que a mí me dio la sensación de ser mucho más poderosa en su tráiler corto antes que en su versión completa. Solo se los digo como opción para esquivar el tráiler o si lo vieron, entonces optar por bajar las expectativas sobre lo que vamos a ver.
Nos encontraremos con la llegada al reinado de una persona tímida por demás y de una personalidad torturada desde su niñez, que no quiere ocupar ese rol, y que lo tiene que asumir luego de la abdicación de su hermano para irse con su enamorada a Estados Unidos, en el momento de mayor exposición social y mediática de la historia hasta ese momento, este suceso fue el comienzo de la segunda guerra mundial. Y sinceramente lo veo como una posición muy difícil de haber llevado adelante para alguien que su timidez y sus problemas acarreados desde la infancia le impedían hablar en público.  El hilo conductor del guion, nos guía sobre como poder sobrellevar ese impedimento y tratar de solucionarlo para poder sostener discursos (el mismo rey se reconoce como figura decorativa durante una escena, tal vez a mi gusto de las más logradas dentro del film), pero ese mismo hilo conductor es el que engrandece la relación entre “doctor” y paciente sin ahondar demasiado en el contexto social ni tampoco en las sesiones terapéuticas (aunque son mas de estudio psicoanalítico “pour la gallerie”, más que una terapia parece una reunión de dos viejos compañeros de secundaria haciendo morisquetas) que se desarrollan para investigar que sucesos en la niñez del rey hicieron que tenga dicho trauma. Creo que ese es el punto fuerte y la flaqueza del film. Como para irnos sabiendo algo desde el cine al finalizar los créditos: El rey George VI era tartamudo (yo no lo sabía). Puedo decir que aprendí algo. Como película: bien dirigida pero con un guión flojo pero bien llevado. Nada más. Poquito, dejando con ganas de conocer en profundidad dicho contexto mostrado en el guion. Me voy a agarrar los libros para interiorizarme y vuelvo. Saludos.

Puntuación: 6 Favitos.-

The kids are all right

Sinopsis Después de llevar muchos años juntas, Nic y Jules (Annette Bening y Julianne Moore) han sido capaces de superar los comentarios negativos de los que veían mal su relación homosexual. Ahora el único interés de ambas es dar un nuevo impulso a su relación, que se ha quedado estancada. Mientras tanto, sus hijos Laser y Joni (Josh Hutcherson y Mia Wasikowska) intentan escapar del férreo control que las mujeres ejercen sobre ellos.

Título: The kids are all right
Título original: The kids are all right
Dirección: Lisa Cholodenko
País: Estados Unidos
Año: 2010
Reparto: Mia Wasikowska, Julianne Moore, Mark Ruffalo, Josh Hutcherson, Annette Bening, Yaya DaCosta, Kunal Sharma, Rebecca Lawrence, Amy Grabow, Eddie Hassell








Puerto Pollenza

Antes que nada, voy a sacar a mi enano fascista de adentro. Que quede como precepto del comentario de “The Kids Are Allright”, la nueva crítica que estoy realizando en este momento. Sin lugar a dudas, mi comentario facho es: “No me la creo”. Es tan simple como eso. No creo en la liberalidad norteamericana que mira con los ojos mas normales del planeta, a una pareja constituida por dos mujeres, con dos hijos fecundados con el aporte de un donador de esperma desconocido. No creo que no hayan tenido problemas de aceptación dentro del medio donde habitan, y que sea todo natural como quien ve llover. Hasta aquí llega mi comentario al mejor estilo “Radio 10”. Ahora paso a comentar la historia, salvando lo que para mí fue el gran faltante de esta historia. El contexto social.  El mundo con florcitas de colores, sin problemas de aceptación, dentro de una sociedad republicana de derecha acusadora, apuntando con el dedo, las “Anormalidades” de las relaciones no convencionales. Es una elección del director que decide esquivar con esmero esta situación. Lo siento. No me la creo. Esto hace que a mi comentario le baje 3 puntitos.
Ahora vamos al relato en sí. Es una historia “chiquita”, básicamente. Pero no por eso deja de ser muy llevadera en la visual. Nos encontramos con una pareja de lesbianas que llevan su matrimonio de una forma amorosa, con dos hijos concebidos gracias a la donación de esperma de un desconocido. Los hijos; una chica con dieciocho años recién cumplidos quien está a punto de partir hacia la universidad y su hermano de quince en plena edad del pavo con un amigo bastante tontuelo. Al llegar la hermana mayor a la mayoría de edad (valga la redundancia redundante) su hermano le propone llamar a la clínica de donantes de esperma para ver si podían conseguir el paradero del donante / padre. Esta clínica es la que se encarga de establecer el contacto telefónico con el  personaje requerido en cuestión, quien acepta curioso la propuesta de conocer a sus “hijos”, que jamás pensó que iba a tener, gracias a su experiencia adolescente de donante (eligió ser donante de esperma porque la pareció más divertido que donar sangre, cuac!).
De esta manera, se realiza el primer encuentro entre los chicos y el padre, reunión de la cual no fueron advertidas sus madres por temor al reclamo o a la reprimenda (nunca severa, todo es muy hablado y cordial durante el transcurso de la historia). Y el chico, que en primer momento movilizó este encuentro, pensando encontrar rasgos similares en su padre, queda tal vez un poco desilusionado al no encontrar parecidos de personalidad, y no le da tanta importancia a dicho encuentro en primera instancia (Las madres le pusieron de nombre Laser!, lo mataron pobrecito); en cambio su hermana (Joni por Joni Mitchell) queda cautivada ante su nuevo padre, un tipo naturista, con su granjita orgánica y su restaurant naturista en ciernes; de movimientos tranquilos y con una vida bastante relajada. Hasta aquí es el comienzo de una presentación que podrían haberla arruinado con el relato tornándose cursis u obvios, o tratarla de manera inteligente. Por suerte, eligieron esta segunda opción.
Excelentemente dirigida, enfocada en los problemas ante un cambio de estructura familiar impensado, tratando con mucha altura los problemas de pareja sin importar géneros, es realmente una película para mirar con ojos tranquilos y dejándose llevar por el relato. Las dos actrices llevando los papeles principales se lucen: Annette Bening y Julianne Moore, son dos actrices de talento que no compiten en la pantalla intentando lucirse, sino que llevan sus papeles con una madurez interpretativa notable. Anette Benning (Nic), es quien lleva los pantalones en la familia y maneja con mucha actitud su rol de “padre proveedor” que intenta llevar las riendas del hogar; Julianne Moore (Jules) es su pareja, quien sostiene el rol de devota esposa quien tiene una actitud de entrecasa y abandonando proyectos de trabajo una y otra vez para terminar intentar siendo una paisajista de jardines. El resto del elenco acompaña y sostiene. Mark Ruffalo, como el donante que al encontrarse con una familia que no esperaba, siente que ese es un rol que debe ocupar (el de padre), y los chicos están bien interpretando sus roles. No sobresalen pero no desentonan. Cine inteligente, adulto y con una historia que se deja ver sin mayores problemas. Básicamente una buena historia muy bien contada y digna de pasar un buen rato viéndola.

Puntuación: 7 Favitos.-

Rumores y mentiras (Easy A)

SINOPSIS El guión, obra del dramaturgo Bert V. Royal, es una versión moderna y en clave estudiantil de “La letra escarlata”, la novela de Nathaniel Hawthorne. Narra la historia de una joven que decide fingir que lleva una vida promiscua, creyendo que así obtendrá algún tipo de beneficio. Sin embargo, las circunstancias se volverán en su contra.

TÍTULO ORIGINAL Easy A
AÑO 2010
DURACIÓN 93 min.
DIRECTOR Will Gluck
GUIÓN Bert V. Royal
MÚSICA Brad Segal
FOTOGRAFÍA Michael Grady
REPARTO Emma Stone, Amanda Bynes, Cam Gigandet, Stanley Tucci, Penn Badgley, Lisa Kudrow, Malcolm McDowell, Patricia Clarkson, Thomas Haden Church, Alyson Michalka, Dan Byrd, Juliette Goglia, Johanna Braddy, Chyna, Stacey Travis, Jake Sandvig







Se dice de mi

Cuantas veces en nuestra vida, por mas corta o larga que esta fuera, vimos películas sobre historias de adolescentes en el secundario? Desde las del tipo “Mi querido maestro” y sus múltiples replicas (“Oh capitán, my capitán”). Desde las historias del estilo Porkys hasta American Pie; sin mencionar las que nos llevan hacia un pasado pre Elvis, con jóvenes mojigatos y sus contrincantes pseudo roqueros (Tranquilamente puedo poner a la primera parte de “Volver al Futuro” dentro de esta categoría), O las mas nuevitas al estilo “Supercool” o Juno; que apelan a un tipo de historias con diálogos ligeros e inteligentes. Creo que rápidamente hice mención de diez títulos sobre esta temática, todas muy famosas y taquilleras. Podrán habernos gustado en mayor o menor medida, pero no deja de ser un estilo dentro de otro. Así que definámoslo como “Comedia estudiantina”.
Esta es otra representación de ese estilo. “Easy A”, no va a aportar nada nuevo a este rubro, pero tampoco va a hacer que nos durmamos en la butaca del cine mientras nos babeamos y hacemos sonidos molestos a la platea. Es una mas dentro del montón, y dentro de esa uniformidad que caracteriza al género, el cual creo que nos es atrayente, tal vez porque todos fuimos adolescentes alguna vez, y a todos los recuerdos de juventud los enmarcamos con un dejo de alegría melancólica en la memoria. Tiene que ver con ese sentimiento tanguero de que todo tiempo pasado fue mejor. O no. Que se yo. Solo estoy intentando buscarle un porque este tipo de películas pasatistas se nos hacen entretenidas al ojo, y de paso, rellenando espacio para una historia que solo tiene un par de atisbos a comentar pero no mucho mas.
Y esos atisbos son los que creo que están haciéndome notar que me estoy poniendo viejo. La historia trata sobre una adolescente que por no pasar un fin de semana con su amiga insoportable e histérica a los cuatro vientos, le miente que va a salir con un pibe de una universidad. Al pasar el fin de semana, esta amiga insoportable, la empieza a perseguir bombardeándola a preguntas de si había debutado sexualmente o no. Como para darle el gusto y que se calle de una buena vez, le dice que sí. En ese momento, escucha ese comentario una piba santurrona a más no poder y el chisme se esparce en toda la escuela, sobre la nueva condición de “prostituta” de nuestra desafortunada protagonista. Eso sumado a que un amigo gay, cansado de las bravuconadas de sus compañeros, le pide que finjan una escena sexual, así deja de ser golpeado por los bobalicones de turno. A partir de ahí, si antes era la prostituta del colegio, ahora pasó a ser, casi  una más del harén de Berlusconi. Ella cansada de tantos mojigatos dando vueltas, decide llevar un paso mas allá la habladuría popular y se empieza a vestir como stripper encorsetada y tener la actitud que todos le endilgan a sus espaldas. Asumiendo los costos de esa nueva conducta mentirosa ante una sociedad que se encarga de señalarla con el dedo toda la película.
Ahora bien, voy a hacer mis comentarios de viejo. Un gay necesita que no le peguen mas por su condición de gay en el colegio fingiéndose heterosexual? Una adolescente es tratada de prostituta por sus compañeros porque una compañera se enteró de oídas, que se acostó con un muchacho mas grande? Me parece que la sociedad yanqui toma en sorna algo que en verdad es digno de erradicar de su juventud: La taradez. Fin de mi comentario de viejo. Retomo mi parte crítica. Creo que es una versión mas de la adolescente piola contrastando contra todos los pavotes de sus compañeros, con padres cools que la bancan en sus decisiones y listo. Se deja ver. Pero acá voy a recomendar otra que me pareció mejor (aunque algunos odien las comedias musicales), pero “Hairspray” toma con humor naif estas mismas situaciones de segregación y rechazo; apuntando directamente a golpear a la imbecilidad mental, por propio decantamiento de ideas antidiluvianas. Sin necesidad de que exista una protagonista que nos diga con comentarios vivísimos, lo bobos que son todos sus compañeros de colegio.
Es pasatista. Se deja ver. Pero no me parece que sea tan de mención de honores en entregas de premios varios como viene figurando hasta el momento; por lo menos aun no fueron mencionadas las películas que compiten para el Oscar, si esta llegara a entrar, estaremos hablando de un año muy pobre en cuanto a cine se trata. Y de verdad lo fue.

Puntuación: 5 Favitos.-

Somewhere, en un rincón del corazón (Somewhere)

Sinopsis: Johnny es un actor muy famoso que vive en el legendario hotel Chateau Marmont en Hollywood. Conduce un Ferrari y tiene un torrente constante de chicas y drogas junto a él. Cleo, su hija de 11 años de su matrimonio fracasado, llega inesperadamente al hotel. Sus encuentros alientan a Johnny a confrontar su situación actual y a plantearse el camino que debería tomar su vida.

Título original: (Somewhere) - 2010
Género: Drama
Duración: 96 minutos
Origen: Estados Unidos
Calificación: Apta para mayores de 13 años
Interpretes: Alexandra Williams, Chris Pontius, Elle Fanning, Erin Wasson, Lala Sloatman, Stephen Dorff
Director: Sofia Coppola
Guionista: Sofia Coppola
Director de fotografía: Harris Savides
Música: Phoenix
Montaje: Sarah Flack

La tristeza de los niños ricos

No voy a hacer referencia a todas las críticas que parece que se solidarizaron y decidieron todos escribir lo mismo. Que es una película autobiográfica, que es la primer historia donde las protagonistas no son mujeres. Que quiso mostrar la relación que tenia con su padre cuando era chica, siendo ella a la que llevaba a las reuniones y no a los demás integrantes de su familia, y demás etcéteras varios. Hagamos de cuenta que no sabemos todo este tipo de cosas (que supongo que en un punto pueden influir, pero sinceramente no creo que sea tan significativo como se cansaron hasta el hartazgo de repetir. Si alguien está escribiendo una historia sobre aliens en Neptuno; no tiene porque ser siempre una visión del director poniendo de su parte una visión que esta aparejada con su vida. Respetemos el derecho al guion y a la imaginación misma. Y bajo ese precepto es que voy a hacer este comentario sobre la nueva presentación de Sofía Coppola.

Con un comienzo abúlico, tedioso, lento, cansino, y sin ninguna palabra hasta casi los primeros quince minutos de la historia, nos encontramos con el protagonista lastimado luego de una caída inicial en un boliche junto a un grupo de amigos. En soledad consigo mismo y aburrido de la vida. Quien parece tenerlo todo es quien se encuentra ante la necesidad de algo distinto. Pero ojo, solo estoy hablando de los primeros quince minutos de película. Ahí aparece su hija preadolescente y su madre quien se la deja para que la cuide y la lleve a su clase de patinaje sobre hielo. Es ahí donde nos enteramos que es un actor famoso, preocupado por la persecución de los fotógrafos (le pregunta a su hija si es el mismo auto que los sigue una y otra vez, paranoico leve) y luego de que creemos que va a cambiar la historia con el encuentro con su hija y ver como es llevada esa relación, eso dura unos diez minutos y listo; de nuevo al tedio, y a sumergirnos en la vida “aburrida” de un actor famoso. Que entrevistas, que sesiones de masajes estrambóticas, que sesiones de fotos, que presentaciones de prensa, que encontrarse con distintas mujeres para quedarse dormido entre sus piernas, que llegar a su casa y encontrarse con que hay una fiesta que él no planeo con gente que no conoce. Que todo igual, durante un largo, es siempre lo mismo. Hasta que reaparece su hija nuevamente en su departamento (es en esos momentos donde aparece un poco de “acción” en la trama para salir del tedio), y ante un hecho no muy detallado, su madre deja a la niña al cuidado del padre quien tiene que ir a hacer una serie de entrevistas y entrega de premios sobre su nueva película en Italia. Y para allá van ambos a pasar un tiempo juntos. Es en ese viaje, hasta su vuelta a Estados Unidos, que la historia se transforma en una versión pasteurizada de “Perdidos en Tokio”, pero sin la imaginación de aquella ni la parte exótica de un lugar extraño, por no decir que los actores tenían muchísimo más carisma que esta linda nena y este actor de medio pelo. De vuelta en Norteamérica, la historia sigue transcurriendo por los mismos carriles del abulicismo de antes. Si la idea era mostrarnos una trama en la cual un actor es seducido constantemente por mujeres hermosas y su hija mira con ojos aburridos y celosos estos encuentros, mientras todo esto es regodeado de imágenes de hastío, entonces lo logró con claridad. No hay una real conexión entre padre e hija, se acompañan pero no se conocen. Eso es lo más logrado del film. Pero no es una gran producción ni mucho menos. No creo que sea una historia autobiográfica, sino, de ser así, hubiera puesto mas alma en esta realización. Cosa que no tienen en todo el transcurso de dicha presentación. Es una realización desangelizada de un padre conviviendo con su fama y su hija que disfruta de su compañía como si fuera un amigo antes que como un padre. Sin nada que mostrarnos más que esa leve y aséptica relación. Medianía durante todo el correr de la historia tanto como en mi puntaje.

Puntuación: 5 Favitos.-

127 Horas (127 Hours)

Sinopsis: Dramático relato centrado en la figura del alpinista Aron Ralston, quién tras sufrir un accidente de montaña recorriendo en solitario un remoto cañón del sureste de Utah, en Estados Unidos, se vio obligado a... (no pongo lo que sigue porque no encontré en todo internet una sola sinopsis donde no cuenten el final de la historia).

Titulo: 127 Hours

Titulo Original: 127 Hours
Genero: Drama
Año De Produccion: 2010
Estreno en España: /2011
País: Estados Unidos
127 Hours Ficha Tecnica
Reparto: James Franco, Kate Mara, Amber Tamblyn, Lizzy Caplan, Elizabeth Hales, Patrick Gibbs, Clémence Poésy
Director: Danny Boyle
Productores: Fox Searchlight Pictures

Supervivencia del mas apto
 

Señores, aplausos! Volvió Danny Boyle a dirigir. Y eso siempre es una buena noticia. A pesar de que tuvo algunos tropiezos (mínimos) en su carrera como director, con la historia inclasificable “Millones”, creo que mucha gente quedó conmovida con “Slumdog Millionaire”; y si esto fue lo único que vieron de él, les aconsejo seguir toda su filmografía y se encontrarán con varias gemas para disfrutar. Con su última presentación, se cansó de ganar Oscars y le llego el reconocimiento norteamericano ante una historia muy bien llevada al cine, con un excelente guión y una forma de mostrar Mumbai, casi con un vértigo frenético y agobiante y además teniendo que dirigir en gran parte de la película a chicos, cosa que dicen los que saben; no existe cosa más difícil que dirigir a chicos y animales. Luego de haber llegado a su pico máximo de reconocimiento, tenía una dura parada ante sí, ya que todos estaríamos esperando con que volvía a la pantalla y en qué nivel se encontraba. La vara estaba muy alta y así, con esa expectativa previa, me dispuse a ver su nueva presentación llamada 127 Horas (127 Hours en su título original, se mataron esta vez con la traducción).

Me llamó poderosamente la atención las primeras imágenes que acompañaban a los títulos iniciales, las cuales muestran grandes gentíos y terribles masas apretujadas en distintas situaciones de aglomeración; como no tenía idea de que se trataba la historia, con esas primeras imágenes, trataba de dilucidar que era lo que me iban a mostrar, así como intentando adivinar el juego de entrada. Pero es exactamente lo contrario lo que vamos a ver; es la historia de una lucha en soledad ante un hecho fortuito. A fines de los ochenta y principio de los noventa, en Estados Unidos, se hizo famosa una sentencia que se la vio desde en remeras hasta en chapas de autos, si hacemos memoria, la misma aparece en una de las escenas de “Forrest Gump”, esta sentencia era: “Shit Happens”, (cuya traducción según Wikipedia, no esta mas alejada de la realidad, “La vida es así” le ponen, cuando es algo bastante mas del acervo popular, cuya traducción seria algo como “la mierda sucede”). Creo que no existe una mejor definición sobre esta película más que esta frase que se hizo famosa. Porque lo que al protagonista le sucede es exactamente eso. Una gran “casualidad” que lo deja apretujado contra una piedra por 127 horas (de ahí el titulo) en un lugar desértico en medio de un cañón, ante la soledad mas absoluta (de ahí la contraposición de las imágenes iniciales de mucha gente apretujada y su lucha en soledad), y de su esfuerzo por sobrevivir.

Un gran acierto, por lo menos para mi gusto, es el hecho que no me hayan puesto el clásico cartelito de “Basado en una historia real”, Nunca sabré si es una ficción o no. Y sinceramente no importa, ya que uno se deja llevar por el relato, muy ameno, el cual mientras la estaba mirando me generó la comparación contra la desastrosa “Buried”, las dos tratan de situaciones de una persona en solitario tratando de sobrevivir. Cuando “Buried” es el monumento al embole ya que no pasa nada, salvo una lucha con un teléfono que se le acaba la batería. En esta existen numerosos matices que hacen a la realización de la lucha de un hombre en soledad y su pelea por la subsistencia.

Y sinceramente, suena a escueta esta critica, pero creo que contarles algo mas seria arruinarles la historia, por demás atractiva y amena. Una puede disfrutar de este relato con un goce total ante una historia que no será de la intensidad de “Slumdog Millonaire” pero si, saldra del cine sabiendo que vio una historia dinámica y bien llevada.

Puntuación: 7 Favitos.-

Rabbit Hole

SINOPSIS La historia sigue a un matrimonio que está tratando de superar la muerte de su hijo de cuatro años, fallecido en un accidente automovilístico. Adaptación a la gran pantalla de la novela 'Abaire', de David Lindsay, ganadora del Premio Pulitzer en categoría de drama.

TÍTULO ORIGINAL Rabbit Hole
DURACIÓN 91 min.
DIRECTOR John Cameron Mitchell
GUIÓN David Lindsay-Abaire (Novela: David Lindsay)
MÚSICA Anton Sanko
FOTOGRAFÍA Frank G. DeMarco
REPARTO Nicole Kidman, Aaron Eckhart, Dianne Wiest, Tammy Blanchard, Sandra Oh, Miles Teller, Giancarlo Esposito, Jon Tenney, Phoenix List









Una perdida que no tiene nombre

Existen determinados temas que son por demás complejos o difíciles de llevar a la pantalla grande. Y si nos ponemos detallistas, podría decir que uno de los temas mas complicados de mostrar, es como afronta una familia la muerte de un hijo, ya que es algo que va a rondar siempre por la sensiblería, y existe la gran posibilidad de llevar una historia fuerte apelando al golpe bajo. Y se encuentra también todo un mercado que apela a la sensiblería cursi con lo cual este es un tema con el cual se regodearían dentro de la sensiblería lacrimógena. Por poner un ejemplo simple de cursilería cinéfila, lo primero que se me ocurre como ejemplo,  es la muy aclamada “Philadelphia”, que le valió un Oscar a Tom Hanks personificando a una persona con SIDA echada de su trabajo por su condición de homosexual. Lo primero que me acuerdo de esa película, es la escena final larga, larguísima, mostrándolo cuando era un nene chiquito, con música lacrimógena, viendo como se mantenía alejado, distinto (música sensiblera in crescendo) para terminar de hacer largar de llorar a aquellos que aun no habían largado una lagrima ni se habían sonado los mocos. Eso me parece cursi e innecesario. Se me ocurre que para mostrar determinados temas que ya son difíciles de contar, no hace falta ponerse cursis y buscar lagrimas en el espectador, sino que ante un hecho complejo, siempre espero que se apele a la madurez del relato; cosas que no muchos pueden lograr. Y es en ese mismo momento donde se encuentra la perfecta diferenciación entre aquellos productores que quieren lucrar con un melodrama, y los directores que pretenden contar una historia adulta. Ejemplo de este tema contado con madurez y sin aflojar en la intensidad del relato pero con una sabiduría extrema, es la película del genial director italiano Nanni Moretti, “La habitación del hijo”. Durísimo relato sobre como una familia enfrenta de repente la muerte por accidente de un hijo adolescente. Excelentemente llevado y con una visión sin necesidad de golpes bajos. Muy inteligente.

Ante los primeros minutos de este relato, y viendo que la historia venia por el mismo lado, el hecho de cómo un matrimonio intenta sobrevivir ante la muerte de un hijo pequeño, el cual nunca aparece en escena, me vino inmediatamente el recuerdo de la película italiana, y a su vez, esperé todo el tiempo, con mis preconceptos a cuestas, el clásico derrape yanqui hacia el melodrama cursi. Y reconozco que tuve que tragarme todos mis preconceptos preestablecidos (Valga la redundancia redundante) porque ese golpe bajo innecesario no apareció jamás en todo el relato de la historia.

La presentación se centra en la relación del matrimonio entre Nicole Kidman (Becca, la cual es grato volver a ver en la pantalla sin ese exceso de botox que se la vio en sus últimas presentaciones cinéfilas) y Aaron Eckhart (Howie, actor cada vez mas asentado y en crecimiento constante), quienes intentar seguir adelante con sus vidas, intentando seguir viviendo cada uno, persiguiendo su propio infierno personal, pero que por falta de comunicación entre ellos, o a causa del dolor mismo, se enfrentan ante el deterioro de su matrimonio el cual ponen en un segundo plano. Becca intenta seguir adelante jugando al rol de mujer fuerte y que superó la situación, pero que busca una respuesta encontrándose a escondidas luego de un encuentro casual pero que ella misma buscó, con el joven que atropello a su hijo y teniendo charlas con él intentan cada uno poder sacar a la luz sus fantasmas, uno por la culpa del asesinato y la otra redimir su necesidad de hablar y poner en palabras su dolor. Howie a su vez, aferrándose al pasado, deja que Becca maneje los hilos del hogar borrando las huellas de su hijo de su casa (intentando regalar su ropa, quitando los dibujos de su casa, queriendo mudarse) pero él intenta aferrarse con pequeñas cosas al pasado (un video, los dibujos de su hijo) e intenta encontrar consuelo en una terapia grupal que se encuentran padres ante la misma situación. Esa falta de comunicación entre ambos y el hecho de no poder sobreponerse al dolor de una manera inmediata, hace que se distancien, pero no por falta de amor sino porque cada uno está encerrado en su propio dolor. Una historia bien contada, sin golpes bajos, con una nueva visión sobre algo muy difícil de contar y con unas actuaciones correctas pero no sobresalientes. Igual sigo pensando que la italiana de Moretti es para este tipo de historias, la más madura de todas, pero esta no le va en saga. Se deja ver. 

Puntuación: 6 Favitos.-

El Cisne Negro (The Black Swan)

Sinópsis: Nina es una brillante bailarina de ballet que mantiene una rivalidad con una compañera, Lily. La confrontación es cada vez más tensa conforme se acerca el día de un gran espectáculo. El problema es que no se sabe si Lily es una aparición sobrenatural, es real o es fruto de la mente perturbada de Nina.

Título Original: "Black Swan".
País y Año: EE.UU. - 2011
Dirección: Darren Aronofsky.
Guión: Darren Aronofsky. Mark Heyman.
Fotografía: Matthew Libatique.
Música: Clint Mansell.
Producción: Scott Franklin. Mike Medavoy. Brian Oliver.
Reparto principal: Natalie Portman, Mila Kunis
Winona Ryder, Vincent Cassel











Un cisne lleno de pasión

Uno tiene determinado conocimiento sobre determinadas artes y en otras puede considerase un neófito total sobre esa materia. Para mí, el ballet es algo que no comprendo; no me mata de admiración ver saltar a Julio Bocca; siempre considere un mejor salto, el de Michael Jordan haciendo un doble en su época de gloria, antes que cualquier salto kilométrico de danza clásica interpretando la obra que fuera. Pero esto se debe, creo yo, no a mi incapacidad de poder interpretar algún arte en especial, sino que particularmente yo necesito que me expliquen y me “vendan” ese arte (o lo que fuera) con pasión y detallismo para poder conocer lo que no conocía y poder mirar donde antes no miraba. Es exactamente eso lo que me pasó con esta película. Me vendieron el ballet con pasión y detalle casi quirúrgico. Y yo compré maravillado.

No voy a descubrir nada diciendo que Arren Aranofsky es un excelente director, el cual parece que nunca alcanza su techo. Pensé que había llegado a su máxima expresión artística con su última película (“El Luchador”), donde nos mostraba con preciosismo y carisma a raudales el mundo frívolo de las luchas a lo “Titanes en el Ring”. Uno descubrió con detalle todo el mundo de sacrificios que tienen que atravesar esos gladiadores romanos de la edad moderna para poder sobrevivir. En esta nueva presentación, la cual ya creo que es merecedor de premios variados, nos introduce con misterio y oscuridad dentro del mundo sacrificado de las bailarinas. De sus esfuerzos físicos, hasta sus vendajes en los dedos de los pies, desde la preparación de las zapatillas de baile, hasta sus sueños por llegar a lo mas alto. Y en esta producción, casi que utiliza con un modo confidente, logra hacernos sentir cómplices de ese mundo, poniendo una cámara en mano sobre los hombros de los protagonistas (o mejor dicho, “LA” protagonista, una brillante y cada vez mas madura Natalie Portman), siguiéndola como testigos insospechados, con un enfoque que nos pone del lado del que espía, nos ubica en la espalda y por sobre el hombro con una cámara vigorosa pero firme para lograr meternos en un ambiente del ballet donde no pertenecemos, pero logrando inmiscuirnos de a poquito y con sigilo en los tejes y manejes que hacen a la vida de estos sacrificados artistas del baile.

La historia nos muestra a Nina Sayers (Natalie Portman) en su intento por integrar la troupe de presentación de la nueva temporada de “El lago de los cisnes”, luego de que se anuncia que la bailarina principal dejaría la obra al final de la temporada, conviviendo con una madre que en su fracaso personal como bailarina, asedia a su hija para que logre la perfección, tratándola como la nena de 10 años que en su momento pudo dominar, hoy ya con veintiocho años, llegando a los albores de su carrera sin lograr papeles protagónicos, sigue intentando luchar por conseguir ese lugar dentro de las estrellas de la perfección del baile. Pero lo que tiene de técnica le falta de carisma demostrativa, cosa que su director le remarca desde los gritos hasta los mas cercanos atisbos sexuales, a la hora de expresar su máxima realización, cuando es elegida para el papel principal dentro de la obra. Y es su constante lucha por llegar a esa perfección, lidiar con la madurez y poder desprenderse de su madre que la asedia y a su vez reprime, aparece una nueva bailarina (Mila Kunis, que desde su inicios en “That’s 70 Show” al día de hoy no para de crecer), quien Nina ve como amenaza por su vivacidad y desparpajo, pero también por su calidad como bailarina. Aunque sus miedos pasan mas por sus propios demonios y paranoias ante la cercanía del cielo escénico. El saber que está por llegar a ese momento tan anhelado de perfección es cuando mas la asusta y la pone en situación de paranoia persecutoria que la hace temer por su perdida del lugar que con sacrificio llego a descubrir.

Bellísima, con una Natalie Portman maximizando su capacidad de expresión total en el rostro reflejando la pasión, el deseo, la paranoia y el miedo con carácter constante dentro de toda la presentación. Nos maravillará desde el primer instante hasta la escena final. Es de esas obras de arte que al terminar de verla, te darán ganas de que te sangren las manos de tanto aplaudir. Como si estuviéramos en el colón de pie. Bravo.

Puntuación: 8 Favitos.-

Nunca me abandones (Never Let Me Go)

Sinopsis: Tres jóvenes que han crecido en un internado sin ningún contacto con el exterior, descubren un día que en realidad, son clones creados únicamente para la donación de órganos.

Título: Nunca me abandones
Título original: Never Let Me Go
País: USA
Estreno en USA: 17/09/2010
Estreno en España:
Productora: Fox Searchlight Pictures
Director: Mark Romanek
Guión: Alex Garland
Reparto: Keira Knightley, Andrew Garfield, Carey Mulligan, Charlotte Rampling, Sally Hawkins




Yo no dono nada!

Alguna vez se preguntaron porque es que existen determinados premios en la entrega de los premios Oscars (por poner la premiación mas famosa)? Supongo que, tal vez, quisieron saber a que se le llama “Premio a la Fotografía”, o “Premio a los Efectos Especiales” o demás premios que uno no puede reconocer fácilmente como el de “Actor Protagónico”. Bueno, si es así, esta película jamás se va a llevar el premio a “Mejor guión adaptado”, y si es que lo recibe alguna vez, será por alguien que indudablemente estaba enamorado de la novela y lo entregó por el simple placer que tuvo al leer el libro sin ver cómo es que fue llevado a la pantalla grande.  

Vendida desde su tráiler mismo como la adaptación para cine de la novela más famosa de la última década, se encarga hasta casi con exasperación de llevar a la pantalla, las partes mas salientes del libro, pero que, al no tener un seguimiento correlativo en imágenes (que no dudo que si lo tenga en el libro, y si es que al libro también le faltan, estaremos hablando de un libro mediocre, el cual aclaro que no leí y después de ver esta película tampoco me dieron ganas de leer), somos paseados por diversos pasajes de una historia inconexa que uno intenta ir abrochando con curitas pero que dejan preguntas en el aire del tipo: Como es que llegaron los chicos al colegio? Nunca se revelan ante su propio destino? Están presos? Sus padres los dejaron allí o nacieron desde plantas? Que paso con la maestra que aparece fugazmente e intenta abrirles los ojos a los alumnos y que rápidamente es echada de la escuela? (por decir solo algunas de las muchas que se plantea uno a lo largo del relato). Son todas incógnitas que para el director debe ser poco importante contar, y que pensó que el espectador nunca se plantearía, porque no hay atisbos siquiera de inferir la mínima de estas respuestas.

Aquellos que vieron “La Isla”, con Scarlett Johansson y Ewan McGregor, les va a parecer familiar este primer comentario sobre la película: Existe un colegio donde se “crían” y educan chicos, con el fin de que crezcan y se transformen en donantes de órganos, su vida es solo para eso y ellos lo aceptan exactamente así, sin revelarse, cual autómatas programados para morir luego de la tercer extracción. La ventaja que corre “La Isla” y esta (Never Let Me Go). Es que la primera juega la rol de película de ficción y es así como la miraremos, nos puede gustar o no, pero esta encasillada dentro de ese estilo. Never let me go, en cambio, se presenta como una obra de teatro en tres partes, las cuales muestran a los chicos en el colegio tomando conocimientos y siendo adoctrinados en el arte de ser donantes, el segundo acto es con ellos adolescentes dejando el colegio  para pasar a un hogar de tránsito, y la tercera parte es con ellos adultos esperando a ser “donantes voluntarios” y morir sin resignación. Donde la historia toma foco en  tres personas que crecen juntas, Keira Knightley (Ruth, flaquísima cadavérica), la actriz en ascenso Carey Mulligan (Kathy, quien lleva la historia adelante) y su eterno enamorado desde la niñez y viviendo la adultez con cara de bobo, Andrew Garfield (Tommy). Kathy enamorada desde pequeña de Tommy, quien ni se entera, el cual se deja seducir hasta la adolescencia por Ruth, quien no lo ama pero permanece en pareja con él solo por miedo a sentirse sola. Y listo, una historia que si hubieran puesto mas empeño en resolver aquellas preguntas iniciales (como dije, unas pocas preguntas de tantas que a uno se le pueden ocurrir mirándola) le hubiera otorgado mas capas a la historia. Pero no, es chata, sin aristas, sin nada que sume al relato salvo una leve historia de amor chiquitita que ni siquiera a aquellas personas mariconas les hará saltar ni una lagrima. No ayuda ni la historia, ni la música, ni el guión adaptado. La película transita durante casi dos horas en una leve y apacible levedad dramática y que termina como empezó. Sin nada. Aquellos que quieran ver una historia romántica, alquilen de nuevo “Titanic” y lloren con esa bosta. Porque esta, no da ni para eso. No es un desastre, su relato visual es llevadero, pero su máximo error es que no muestra nada mas que esa visión minúscula de algo que podría haberse transformado en una gran historia. Uno siempre espera mas y que exploten los personajes. Pero el final llega y esa explosión no llegó nunca. Ni siquiera el ruidito de un chasqui bum. 

Puntuación: 4 Favitos.-

Mis tardes con Margueritte (La tête en friche)

Sinopsis: Es la historia de uno de esos encuentros improbables que pueden cambiar una vida. En un parque se encuentran Germain, de algo más de cincuenta años y casi analfabeto, y Margueritte, una frágil anciana apasionada por la lectura. Cuarenta años y cien kilos los separan. Por casualidad, Germain se sienta a su lado. Margueritte empieza a leerle extractos de novelas, haciéndole descubrir la magia de los libros, de la que Germain se creía excluido. De pronto, para la gente que le rodea, para sus amigos del café, que hasta ahora le han tomado por un tonto, la idiotez bascula y cambia de lado. Pero Margueritte se va quedando ciega y, por amor a esta adorable abuela traviesa y atenta, Germain se esforzará y le demostrará que es capaz de leerle cuando ella ya no pueda hacerlo.

Titulo Original: La tête en friche
Francia
82 minutos
Año: 2010
Director   Jean Becker
Guionista   Jean Becker
Productor   Louis Becker
Música        Laurent Voulzy
Fotografía  Arthur Cloquet
Montaje      Jacques Witta
Reparto      Gérard Depardieu   Germain Chazes
                   Gisèle Casadesus   Margueritte
                   Jean-François Stevenin   Jojo
                   Sophie Guillemin   Annette
                   Mélanie Bernier   Stéphanie


Una cita con el cine

Quien puede dudar hoy en día de la capacidad compositiva, sea en el personaje que sea, de Gerard Depardieu? Creo que ya tiene los suficientes títulos probados como para demostrar que es un grande del cine. Retomando lo que contaba en mi crítica anterior sobre seguir al cine por autores y por directores, este es de esos actores a seguir. Porque no importa la calidad del producto en que él se encuentre, este logra ponderarlo con su actuación. Y de hace un tiempo a esta parte (hace algunos años ya, en realidad) elige con acierto los papeles donde trabajar. Esta es una de esas nuevas ocasiones donde nos llena los ojos de placer.

Dirigido esta vez por Jean Becker, quien cuenta en su haber con varias historias costumbristas, arranca con una velocidad inusitada en su relato, como si fuera realizada una historia para televisión. Uno es abrumado por los viajes del presente al pasado, entre la niñez completamente carecida de afecto por su madre desamorada, quien lo menosprecia todo el tiempo y su profesor de escuela que se burla delante de todos sus compañeros ante sus dificultades de aprendizaje,  Depardieu (Germain Chazes) y la vida adulta, transita esos primeros minutos mostrándose y presentándose ante la pantalla como un ser grande de afecto y tamaño, pero carente de cultura. De la cual ni se jacta ni se deprime, simplemente vive en el desconocimiento pleno del que no vio nunca algo distinto más que el trabajo y la incapacidad de demostrar amor por parte de su madre. Pero esto no es tomado en un carácter lastimoso ante el espectador, Germain vive su vida al día, con varios trabajos y sus reuniones con amigos en el bar, su novia que lo ama cautivada por su enorme corazón y su madre ya anciana y consumida por el tabaco quien sigue menospreciándolo como cuando era un niño;  es así como se desarrollan sus días. Hasta que un día encuentra a la viejita Margueritte (Con dos T como ella misma se encarga de remarcar en ese primer encuentro), en una plaza donde él suele ir a descansar e imaginar historias y nombres sobre las palomas que él mismo alimenta con migajas, contándolas ante su llegada para ver si se encuentran las mismas diecinueve de siempre. La anciana se abre rápidamente a la charla y Germain se deja seducir por su tono afable y pleno de cariño. Ella, amena desde el primer momento, dejándose llevar por sus citas y charlas en el mismo banco de la plaza donde transcurren sus encuentros, también se siente atraída ante la amistad de este gigante bonachón quien se abre ante ella como una flor y con el corazón abierto sin maldad ni hipocresías. Disfrutando el uno la presencia del otro. Así es como Margueritte empieza a llevarle libros, los cuales le lee en voz alta y Germain empieza a iluminar su alma con el conocimiento que los libros le entregan, deseoso de saber siempre mas y seducido por el nuevo conocimiento recibido ante el placer de la lectura, este anciana le enseña a percibir  imágenes descritas en los grandes libros que le lee (arranca leyéndole “La Peste” de Camus, aquella parte donde las ratas empiezan a morir a montones). Nunca reemplazándola por su madre, pero si disfrutando de la creciente amistad entre ellos y su descubrimiento de un mundo nuevo a través de la lectura.

Cortita y de mirada súper efectiva en una hora y dieciocho minutos plenos de placer visual. Una novela costumbrista de esas amables que dejan a uno con ganas de mas y con una sonrisa boba al terminar de verla. Son de esas gemas que uno disfruta y que hacen que uno disfrute del cine liviano con historias plenas que llenan el alma. Así como los libros lograron hacerlo con Germain. No existe una sola escena en todo el film donde no aparezca Gerard Depardieu; pero no es agobio, sino que es un placer efectivo y efectista.  Al llegar los títulos finales se encontrará el espectador sabiendo que paso un momento agradable. Y con eso basta. Aquellos que descreen del cine Francés, tienen en esta breve película una dosis de calidad de alta gama. Muy recomendable.

Puntuación: 7 Favitos.- 

Stone

SINOPSIS: Jack Mabry (Robert De Niro), un oficial de libertad condicional, entabla amistad con Gerald Creeson (Edward Norton), un convicto pirómano que intenta desesperadamente salir de prisión. La mujer de este último, Lucetta (Milla Jovovich) intentará manipular al oficial para conseguir la libertad de su marido.

TÍTULO EN ESPAÑOL: Stone
AÑO: 2010
DURACIÓN: 105 min.
PAÍS : Estados Unidos
DIRECTOR: John Curran
REPARTO : Robert De Niro, Edward Norton, Milla Jovovich, Frances Conroy, Enver Gjokaj, Pepper Binkley, Liam Ferguson, Sarab Kamoo.












Stone resultó una piedra en el zapato

Podemos consensuar que existen dos tipos de personas que miran cine (por buscar una forma más de catalogarnos): Aquellos que miran cine por los actores que trabajan en ella o aquellos que nos informamos y seguimos a determinados directores. Yo suelo considerar a aquellos que siguen a las películas por sus actores, son gente que aceptan el cine liviano y que les da lo mismo una película que otra. En cambio aquellos que saben del cine por sus autores me parecen más conocedores de las artes visuales por el simple hecho de hurgar en el conocimiento. Siempre prefiero al investigador antes que al liviano. Pero bueno, por mal que nos pese a los seguidores de los directores, tendremos que aceptar a regañadientes que existen gustos para todos y cine shampoo a rolete.

Para esta ocasión, lo único que sabía de la película antes de verla era quienes trabajaban. Ergo, pase de ocupar el segundo rol al primero y dije “Oia! Que buenos actores!”.  Y no era para menos: Figuran como protagonistas, Robert de Niro, Edward Norton y la preciosa de Milla Jovovich. Aquí hago un alto importante: Todas aquellas mujeres que son y serán mis parejas en el futuro. (El día de hoy espero que siga siendo la misma hasta el fin de los tiempos) sabrán que puedo engañarlas con cualquiera de estas que voy a mencionar ante cualquier eventualidad del destino.  Esta lista es liderada por Marisa Tomei (eterna merecedora de mi amor), seguida por Zooey Deschanel, tercera (y casi pegadita al segundo lugar) Jessica Chobot (luego de verla lamer una psp, caí rendido a sus pies) y por último, pero no por eso en menor rango, aparece Milla Jovovich.

Nótese que hasta ahora no dije absolutamente nada de la opción que hoy comento, por el simple hecho que no tiene demasiado para contarse sobre dicha historia. Y es ahí donde tengo que empezar a hacer esfuerzos sobrehumanos para intentar realizar una crítica porque siempre es fácil criticar algo que te gusta mucho, y más fácil aun es hacerlo cuando uno vio una bazofia. Pero se torna muy cuesta arriba cuando la historia resulta algo intrascendente.

Arranca para dramón de alto vuelo: Una pareja joven con una niña pequeña que es llevada a dormir, la mujer con cara de aburrida con la vida, atiende al marido que no despega los ojos del televisor parar mirar un partido de golf. Ella cansada de tanto tedio, amenaza con irse al otro día. El joven enceguecido, corre escaleras arriba y toma a su hija dormida y amenaza con tirarla por la ventana si es que su esposa llegara a dejarlo. Guau! Terrible dramón de los que me gustan. No señores, esa es la escena de mayor tensión y dramatismo en toda la película enterita.

Años más tarde (muchos años más tarde) El joven es Robert de Niro, su esposa en rol de sufrida (mismo papel que hizo con soltura en Six Feet Under) sigue acompañando a su esposo. Y este sigue mirando torneos de golf por televisión (tan embolante como la trama). De Niro es psicólogo social en una cárcel, en la cual se encarga de evaluar a aquellos que están con una parte de su condena cumplida y realizarles un análisis, para ver si ya están reintegrados a la sociedad. Es aquí donde aparece Edward Norton (con la voz tomada como si cada mañana de filmación hubiera gritado durante 3 horas para lograr esa garganta de catarro continuo) quien de entrada le confiesa que ya pago su pena y que tiene una hermosa esposa que lo espera afuera y con un trabajo que lo quitara de la mala vida. Encarcelado de joven por haber prendido fuego la casa de sus abuelos, jura y perjura que ya se libró del pasado y quiere resarcirse siendo feliz con su esposa devota (en exceso), este pone peros para darle la libertad y es allí donde entra la linda de Milla haciendo el papel de eso. De linda.

La verdad no tengo más que aportar, aquellos que se dejen llevar por los actores a lo mejor son atraídos por la historia, que tiene una ligera vuelta de tuerca al final, pero nada que nos sacuda de las butacas del cine más que para ir a buscar más pochoclos o poner stop para hacer pis. Stone (el titulo es a cuenta del sobrenombre de Edward Norton en la historia) es algo que sinceramente terminaremos de ver y diremos: “Que linda Milla Jovovich” o la realidad es que dirán… Que embole!

Puntuación: 3 Favitos.-